Ariadne gravering
Ariadne gravering c1835 af amerikansk maler & Graver Asher Brown Durand (1796 – 1886) var en del af Romanticism Art Movement og var uddannet fra Hudson River School. Asers hovedfokus var på landskabsmalerier.
Oversigt
Ariadne-graveringen af Asher er fra en kopi af et maleri, han lavede efter et originalt maleri af John Vanderlyn (1776 – 1852). Ariadne er den kretensiske prinsesse, som kortvarigt blev elsket af Theseus (den mytiske konge og grundlægger-helt af Athen), som forlod hende på øen Naxos.
“Ariadne” er en udsøgt gravering skabt af Asher Brown Durand, en af de fremtrædende amerikanske kunstnere og gravører i det 19. århundrede. Dette kunstværk, afsluttet ca 1835, er en mesterlig fortolkning af klassiske temaer i nyklassicistisk stil.
Emnet for denne gravering, Ariadne, er en figur fra græsk mytologi, hvis billede er blevet fanget gennem Durands gravering med bemærkelsesværdig følsomhed og dybde. Stemningen og fortællingen, der formidles i dette stykke, er dybt sammenflettet med temaerne om opgivelse, ensomhed, og længsel, præsenterer Ariadne som et symbol på romantisk melankoli.
Indholdsfortegnelse
Emnet og kompositionen
Kernen i kompositionen ligger Ariadne, den centrale figur, der ofte er afbildet i gamle myter som Theseus' forladte elsker. Durand har fået hende til at ligge på jorden, draperet i blødt, flydende klude, der synes at smelte sammen med den naturlige verden omkring hende.
Hendes kropsholdning antyder en følelse af afslapning eller endda resignation, med den ene arm hvilende bag hovedet, mens den anden ligger yndefuldt på hendes torso. Hendes ansigt, fredfyldt og alligevel fjernt, ser mod horisonten, som om hun er fortabt i tanker eller måske forudser sin elskers tilbagevenden, et tema, der giver genklang med de klassiske myter om tabt kærlighed og forladthed.
Skildringen af Ariadne i denne gravering taler meget om Durands forståelse af den menneskelige form, især i gengivelsen af kvindekroppen. Kurverne af hendes lemmer, den sarte foldning af stoffet, og de naturalistiske konturer af hendes ansigt bidrager alle til figurens tidløse skønhed og sårbarhed. Durands brug af skygge og fine detaljer i graveringen forbedrer teksturen af kødet og stoffet, giver billedet en følelse af liv på trods af dets statiske karakter.
Rammerne og miljøet
Baggrunden og indstillingen af graveringen bidrager væsentligt til dens tematiske vægt. Ariadne er placeret i en frodig, idylliske naturlige omgivelser - sandsynligvis en åben lysning eller afsondret skov. Terrænet, let skrånende og oversået med træer, giver en blød kontrast til det hårde, mejslede former af figuren.
En fjern udsigt over bølgende bakker og en flod antyder en harmonisk integration af menneskelige og naturlige elementer. Indstillingen ser ud til at være på spidsen af dag og nat, som et diset lys filtrerer gennem træerne, subtilt belyser Ariadnes form, mens den støber landskabet i en blød, drømmeagtig glød.
Kunstneren gengiver dygtigt træerne og løvet med indviklede linjer, skabe en følelse af dybde og dimension. De fjerne bakker tilføjer en følelse af skala til kompositionen, yderligere at forstærke den naturalistiske stil, som Durand udmærkede sig ved. Det fine streg og den delikate skygge er karakteristisk for graveringsmediet, en teknik, der kræver tålmodighed og præcision, begge som Durand anvendte kyndigt for at bringe landskabet i harmonisk balance med Ariadnes skikkelse.
Mediet: Gravering
Som en gravering, dette stykke er udført med omhyggelig sans for detaljer. Durand, kendt for sin dygtighed i dette medie, bruger skarpt, klare linjer og indviklet krydsskravering for at opnå en bred vifte af tonale værdier. Graveringens fine linjer giver den en delikat kvalitet, men brugen af kontrast og skygge giver en dyb, næsten tredimensionel følelse af volumen. Durands teknik er særlig dygtig til at fange teksturer, fra det bløde i Ariadnes hud til den ru bark fra træerne, der omgiver hende.
The use of engraving as a medium also reflects Durand’s engagement with the tradition of classical art and his desire to produce works that could be widely disseminated, popularizing such mythological themes among American and European audiences. Gravering, being more accessible than original paintings, allowed for greater distribution of this image, making it not only an artistic achievement but also a vehicle for promoting classical ideals.
Temaer og symbolik
The figure of Ariadne in this engraving embodies themes of isolation, abandonment, og tiden. In Greek mythology, Ariadne helps Theseus escape the Labyrinth, only to be later abandoned by him on the island of Naxos. This image captures her at a moment of quiet reflection, måske overvejer hendes skæbne eller mistede kærlighed.
Det fredfyldte udtryk i hendes ansigt sidestilles med den følelsesmæssige uro, som hendes myte medfører. De bløde folder i hendes draperi og de rolige omgivelser kan symbolisere et flygtigt øjeblik af fred før den uundgåelige sorg, der følger med at blive efterladt alene.
Derudover, værkets naturlige rammer supplerer disse temaer. Træerne og løvet antyder en tidløs, uforanderlig verden, mens Ariadnes skikkelse står i kontrast til denne bestandighed, antyder den forbigående karakter af menneskets liv og følelser. Hendes tilstedeværelse i sådanne omgivelser fremkalder spændingen mellem menneskeheden og naturen, et tema, der er dybt forankret i klassisk kunst og litteratur.
Stemning og atmosfære
Stemningen af “Ariadne” er dybt melankolsk. Durand har valgt at skildre øjeblikket med Ariadnes ensomhed efter hendes opgivelse, og det fredelige, men dystre udtryk i hendes ansigt forstærker denne følelsesmæssige atmosfære. Graveringens belysning, med sin bløde kontrast mellem lys og skygge, gennemsyrer stykket med en stille, næsten æterisk kvalitet. Træerne i baggrunden skaber en følelse af læ, alligevel fremkalder deres afstand og blødheden i deres konturer en følelse af isolation, forstærker fortællingens følelsesmæssige understrøm.
Mens scenen er badet i naturens ro, der er en understrøm af tristhed, der er til at tage og føle på. Figurens ensomhed, kombineret med det længselsfulde blik og det fjerne landskab, skaber en atmosfære, der er både øm og tragisk. Det taler til den menneskelige oplevelse af opgivelse og den stille resignation, der ofte følger med den.
Konklusion
Asher Brown Durands “Ariadne” står som et fint eksempel på amerikansk gravering fra det 19. århundrede og en repræsentation af klassiske temaer gennem en neoklassisk linse. Den fredfyldte, men alligevel gribende skildring af Ariadne, sat på en naturlig baggrund, inviterer beskueren til at overveje skrøbeligheden af menneskelige følelser, tidens gang, og den isolation, der ofte følger med kærlighed og tab. Den tekniske beherskelse og følelsesmæssige dybde i dette arbejde, kombineret med det delikate samspil mellem lys og skygge, gør det til et tidløst kunstværk.
Ariadne gravering viser Ariadne liggende i skoven, oven på et bundt tøj delvist nøgen ved en strøm med venstre arm placeret over hovedet og højre hånd, der tager fat i håret, mens det hviler på den bagerste del af hendes nakke.
I baggrunden af Ariadne-graveringen forbi træerne og bakken, hun hviler på, vi kan se en båd på bredden af en sø, og i det fjerne kan vi se, hvad der ser ud til at være en stor ø.
Denne Ariadne-gravering er en retoucheret digital kunst, gamle mestre-reproduktion af et offentligt domæne billede.
Info nedenfor fra Wikipedia.org
Durand blev født i og døde til sidst i Maplewood, New Jersey (dengang kaldet Jefferson Village). Han var den ottende af elleve børn. Durands far var urmager og sølvsmed.
Durand kom i lære hos en gravør fra 1812 til 1817 og indgik senere et partnerskab med ejeren af virksomheden, Charles Cushing Wright (1796–1854), som bad ham om at lede virksomhedens kontor i New York.
Han indgraverede uafhængighedserklæringen for John Trumbull under 1823, som etablerede Durands ry som en af landets fineste gravører.
Durand hjalp med at organisere New York Drawing Association under 1825, som skulle blive til National Academy of Design; han ville tjene organisationen som præsident fra 1845 til 1861.
Asers graveringer på pengesedler blev brugt som portrætter til Amerikas første frimærker, det 1847 serie. Sammen med sin bror Cyrus indgraverede han også nogle af de efterfølgende 1851 problemer.
Hans største interesse ændrede sig fra gravering til oliemaleri om 1830 med opmuntring fra sin protektor, Luman Reed. I løbet af 1837, han fulgte med sin ven Thomas Cole på en skitseekspedition til Schroon Lake i Adirondacks Mountains og kort tid efter begyndte han at koncentrere sig om landskabsmaleri.
Han brugte somre på at tegne i Catskills, Adirondacks, og de hvide bjerge i New Hampshire, lave hundredvis af tegninger og olieskitser, der senere blev indarbejdet i færdige akademistykker, som hjalp med at definere Hudson River School.
Durand huskes især for sine detaljerede skildringer af træer, klipper, og løv. Han var fortaler for at trække direkte fra naturen med så meget realisme som muligt. Durand skrev, “Lade [kunstneren] acceptere omhyggeligt hvad som helst [natur] præsenterer ham, indtil han skal, i en grad, er blevet fortrolig med hendes uendelighed ... lad ham aldrig vanhellige hendes hellighed ved en bevidst afvigelse fra sandheden.”
Ligesom andre Hudson River School-kunstnere, Durand mente også, at naturen var en uudsigelig manifestation af Gud. Han udtrykte denne følelse og sine generelle meninger om kunst i sit essay “Bogstaver om Landskabsmaleri” i The Crayon, et kunsttidsskrift fra midten af det 19. århundrede i New York. Skrev Durand, “[T]den sande provins af Landskabskunst er repræsentationen af Guds værk i den synlige skabelse...”
Durand er kendt for sin 1849 maleri Kindred Spirits, som viser Hudson River School-kunstneren Thomas Cole og digteren William Cullen Bryant i et Catskills Mountains-landskab. Dette blev malet som en hyldest til Cole efter Coles død under 1848, og som en gave til Bryant.