Ariadne gravyr
Ariadne-gravyr c1835 av amerikansk målare & Gravör Asher Brown Durand (1796 – 1886) var en del av Romanticism Art Movement och tog examen vid Hudson River School. Asers huvudfokus låg på landskapsmålningar.
Översikt
Ariadne-gravyren av Asher är från en kopia av en målning som han gjorde efter en originalmålning av John Vanderlyn (1776 – 1852). Ariadne är den kretensiska prinsessan som en kort stund älskades av Theseus (den mytomspunna kungen och grundaren-hjälten av Aten), som övergav henne på ön Naxos.
“Ariadne” är en utsökt gravyr skapad av Asher Brown Durand, en av 1800-talets framstående amerikanska konstnärer och gravörer. Detta konstverk, avslutat ca 1835, är en mästerlig tolkning av klassiska teman i nyklassisk stil.
Ämnet för denna gravyr, Ariadne, är en figur från den grekiska mytologin, vars bild har fångats genom Durands gravyr med enastående känslighet och djup. Stämningen och berättelsen som förmedlas i detta stycke är djupt sammanflätade med teman om övergivande, ensamhet, och längtan, presenterar Ariadne som en symbol för romantisk melankoli.
Innehållsförteckning
Ämnet och kompositionen
I hjärtat av kompositionen ligger Ariadne, centralgestalten som ofta avbildas i antika myter som Theseus övergivna älskare. Durand har gjort henne liggande på marken, draperad i mjuk, flödande dukar som verkar smälta samman med den naturliga världen runt henne.
Hennes hållning antyder en känsla av avkoppling eller till och med uppgivenhet, med ena armen vilande bakom huvudet, medan den andra ligger graciöst på hennes bål. Hennes ansikte, lugn men ändå avlägsen, ser mot horisonten som om hon är vilsen i tankar eller kanske förutser att hennes älskare kommer tillbaka, ett tema som resonerar med de klassiska myterna om förlorad kärlek och övergivenhet.
Skildringen av Ariadne i denna gravyr talar mycket om Durands förståelse av den mänskliga formen, speciellt i återgivningen av kvinnokroppen. Krökningarna av hennes lemmar, tygets ömtåliga vikning, och de naturalistiska konturerna av hennes ansikte bidrar alla till figurens tidlösa skönhet och sårbarhet. Durands användning av skuggningar och fina detaljer i graveringen förstärker strukturen på köttet och tyget, ger en känsla av liv till bilden trots dess statiska karaktär.
Miljön och miljön
Bakgrunden och inställningen av gravyren bidrar avsevärt till dess tematiska tyngd. Ariadne är placerad i en frodig, idyllisk natur - troligen en öppen glänta eller avskild skog. Terrängen, svagt sluttande och prickade med träd, ger en mjuk kontrast till det hårda, mejslade former av figuren.
En avlägsen vy av böljande kullar och en flod antyder en harmonisk integration av mänskliga och naturliga element. Inställningen verkar vara vid gränsen till dag och natt, som ett disigt ljus filtrerar genom träden, subtilt belyser Ariadnes form samtidigt som landskapet gjuts i en mjuk, drömlikt sken.
Konstnären återger skickligt träden och lövverket med invecklade linjer, skapa en känsla av djup och dimension. De avlägsna kullarna ger en känsla av skala till kompositionen, ytterligare förstärka den naturalistiska stilen som Durand utmärkte sig i. Den fina linjen och den ömtåliga skuggningen är karakteristiska för gravyrmediet, en teknik som kräver tålamod och precision, båda som Durand tillämpade sakkunnigt för att få landskapet i harmonisk balans med Ariadnes gestalt.
Mediet: Gravyr
Som gravyr, detta stycke är utfört med noggrann uppmärksamhet på detaljer. Durand, känd för sin skicklighet i detta medium, använder skarp, tydliga linjer och intrikat skravering för att uppnå ett brett spektrum av tonala värden. Graveringens fina linjer ger den en delikat kvalitet, men användningen av kontrast och skugga ger en djup, nästan tredimensionell känsla av volym. Durands teknik är särskilt skicklig på att fånga texturer, från det mjuka i Ariadnes hud till den grova barken på träden som omger henne.
Användningen av gravyr som medium speglar också Durands engagemang i traditionen av klassisk konst och hans önskan att producera verk som skulle kunna spridas brett, popularisera sådana mytologiska teman bland amerikansk och europeisk publik. Gravyr, vara mer tillgänglig än originalmålningar, möjliggjorde större spridning av denna bild, vilket gör det inte bara till en konstnärlig prestation utan också ett medel för att främja klassiska ideal.
Teman och symbolik
Ariadnes figur i denna gravyr förkroppsligar teman av isolering, övergivenhet, och tidens gång. I grekisk mytologi, Ariadne hjälper Theseus att fly labyrinten, bara för att senare bli övergiven av honom på ön Naxos. Den här bilden fångar henne i ett ögonblick av stilla reflektion, kanske funderar över hennes öde eller förlorade kärlek.
Det fridfulla ansiktsuttrycket ställer sig tillsammans med den känslomässiga oro som hennes myt innebär. De mjuka vecken av hennes draperi och den lugna omgivningen kan symbolisera ett flyktigt ögonblick av frid innan den oundvikliga sorgen som följer med att lämnas ensam.
Dessutom, verkets naturliga miljö kompletterar dessa teman. Träden och bladverket antyder en tidlös, oföränderlig värld, medan Ariadnes figur står i kontrast till denna beständighet, antyder den övergående naturen hos mänskligt liv och känslor. Hennes närvaro i en sådan miljö framkallar spänningen mellan mänsklighet och natur, ett tema som är djupt rotat i klassisk konst och litteratur.
Humör och atmosfär
Stämningen av “Ariadne” är djupt melankolisk. Durand har valt att skildra ögonblicket av Ariadnes ensamhet efter hennes övergivande, och det fridfulla men ändå dystra uttrycket i hennes ansikte förstärker denna känslomässiga atmosfär. Gravyrens belysning, med sin mjuka kontrast mellan ljus och skugga, genomsyrar stycket med ett tyst, nästan eterisk kvalitet. Träden i bakgrunden skapar en känsla av skydd, ändå framkallar deras avstånd och mjukheten i deras konturer en känsla av isolering, förstärker berättelsens känslomässiga underström.
Medan scenen badar i naturens lugn, det finns en underström av sorg som är påtaglig. Figurens ensamhet, kombinerat med den längtande blicken och det avlägsna landskapet, skapar en atmosfär som är både öm och tragisk. Den talar till den mänskliga upplevelsen av övergivenhet och den tysta resignation som ofta följer med den.
Slutsats
Asher Brown Durands “Ariadne” står som ett fint exempel på amerikansk gravyr från 1800-talet och en representation av klassiska teman genom en nyklassisk lins. Den fridfulla men ändå gripande skildringen av Ariadne, mot en naturlig bakgrund, inbjuder betraktaren att begrunda de mänskliga känslornas bräcklighet, tidens gång, och den isolering som ofta följer med kärlek och saknad. Det tekniska behärskandet och det känslomässiga djupet i detta arbete, kombinerat med det känsliga samspelet mellan ljus och skugga, gör det till ett tidlöst konstverk.
Ariadnegravyr föreställer Ariadne som lägger sig i skogen, ovanpå ett klädesplagg delvis naken av en bäck med hennes vänstra arm placerad över huvudet och höger hand som tar tag i håret när det vilar på den bakre delen av hennes nacke.
I bakgrunden av Ariadnegravyren förbi träden och kullen hon vilar på, vi kan se en båt på stranden av en sjö, och på långt håll kan vi se vad som verkar vara en stor ö.
Denna Ariadne-gravyr är en retuscherad digital konst reproduktion av gamla mästare av en bild som är allmän egendom.
Info nedan från Wikipedia.org
Durand föddes i och dog så småningom i Maplewood, New Jersey (ringde då Jefferson Village). Han var den åttonde av elva barn. Durands far var en urmakare och en silversmed.
Durand lärde sig en graver från 1812 till 1817 och ingick senare ett partnerskap med ägaren till företaget, Charles Cushing Wright (1796–1854), som bad honom att leda företagets kontor i New York.
Han graverade självständighetsförklaringen för John Trumbull under 1823, som etablerade Durands rykte som en av landets finaste gravörer.
Durand hjälpte till att organisera New York Drawing Association under 1825, som skulle bli National Academy of Design; han skulle tjäna organisationen som president från 1845 till 1861.
Asers graveringar på sedlar användes som porträtt för Amerikas första frimärken, de 1847 serier. Tillsammans med sin bror Cyrus graverade han också några av de efterföljande 1851 frågor.
Hans huvudsakliga intresse förändrades från gravyr till oljemålning om 1830 med uppmuntran av sin beskyddare, Luman Reed. Under 1837, han följde med sin vän Thomas Cole på en skissexpedition till Schroon Lake i Adirondacksbergen och strax efter började han koncentrera sig på landskapsmålning.
Han tillbringade somrarna med att skissa i Catskills, Adirondacks, och White Mountains i New Hampshire, göra hundratals teckningar och oljeskisser som senare införlivades i färdiga akademistycken som hjälpte till att definiera Hudson River School.
Durand minns särskilt för sina detaljerade skildringar av träd, stenar, och lövverk. Han var en förespråkare för att dra direkt från naturen med så mycket realism som möjligt. Durand skrev, “Låta [konstnären] accepterar noggrant vad som helst [natur] presenterar honom tills han ska, i en examen, har blivit intim med hennes oändlighet ... låt honom aldrig vanhelga hennes helighet genom en avsiktlig avvikelse från sanningen.”
Som andra Hudson River School -artister, Durand trodde också att naturen var en ineffektiv manifestation av Gud. Han uttryckte denna känsla och sina allmänna åsikter om konst i sin uppsats “Bokstäver om landskapsmålning” i Krita, en tidskrift i New York i mitten av 1800-talet. Skrev Durand, “[T]den sanna provinsen för landskapskonst är representationen av Guds verk i det synliga skapandet ...”
Durand är känd för sin 1849 målar Kindred Spirits som visar andra Hudson River School -konstnären Thomas Cole och poeten William Cullen Bryant i ett Catskills Mountains -landskap. Detta målades som en hyllning till Cole vid Coles död under 1848, och som en gåva till Bryant.