Ariane Gravure
Gravure d'Ariane c1835 par le peintre américain & Graveur Brun cendré Durand (1796 – 1886) faisait partie du mouvement artistique du romantisme et était diplômé de la Hudson River School. Asher se concentrait principalement sur les peintures de paysage.
Aperçu
La gravure d'Ariane par Asher est tirée d'une copie d'un tableau qu'il a réalisé à partir d'un tableau original de John Vanderlyn (1776 – 1852). Ariane est la princesse crétoise qui fut brièvement aimée par Thésée (le roi mythique et héros fondateur d'Athènes), qui l'a abandonnée sur l'île de Naxos.
“Ariane” est une gravure exquise créée par Asher Brown Durand, l'un des artistes et graveurs américains les plus éminents du XIXe siècle. Cette œuvre d'art, terminé vers 1835, est une interprétation magistrale de thèmes classiques dans le style néoclassique.
Le sujet de cette gravure, Ariane, est un personnage de la mythologie grecque, dont l’image a été capturée à travers la gravure de Durand avec une sensibilité et une profondeur remarquables. L'ambiance et le récit véhiculés dans cette pièce sont profondément liés aux thèmes de l'abandon., solitude, et le désir, présentant Ariane comme un symbole de mélancolie romantique.
Table des matières
Le sujet et la composition
Au cœur de la composition se trouve Ariane, le personnage central qui est souvent représenté dans les mythes anciens comme l'amant abandonné de Thésée. Durand l'a rendue allongée par terre, drapé de douceur, des tissus fluides qui semblent se confondre avec le monde naturel qui l'entoure.
Sa posture suggère un sentiment de détente voire de résignation, avec un bras posé derrière la tête, tandis que l'autre s'allonge gracieusement sur son torse. Son visage, serein mais distant, regarde vers l'horizon comme si elle était perdue dans ses pensées ou peut-être en attendant le retour de son amant, un thème qui résonne avec les mythes classiques de l'amour perdu et de l'abandon.
La représentation d’Ariane dans cette gravure en dit long sur la compréhension de Durand de la forme humaine., surtout dans le rendu du corps féminin. Les courbes de ses membres, le pliage délicat du tissu, et les contours naturalistes de son visage contribuent tous à la beauté intemporelle et à la vulnérabilité de la silhouette.. L'utilisation par Durand des ombres et des détails fins dans la gravure rehausse la texture de la chair et du tissu., donner un sens à la vie à l'image malgré sa nature statique.
Le cadre et l'environnement
L'arrière-plan et le décor de la gravure contribuent de manière significative à son poids thématique. Ariane est positionnée dans un environnement luxuriant, cadre naturel idyllique, probablement une clairière ouverte ou une forêt isolée. Le terrain, en pente douce et parsemé d'arbres, offre un contraste doux avec le dur, formes ciselées de la figure.
Une vue lointaine de collines et d'une rivière suggère une intégration harmonieuse d'éléments humains et naturels.. Le décor semble être à la frontière du jour et de la nuit, alors qu'une lumière brumeuse filtre à travers les arbres, illuminant subtilement la forme d'Ariane tout en projetant le paysage dans une ambiance douce, lueur onirique.
L'artiste restitue habilement les arbres et le feuillage avec des lignes complexes, créer une impression de profondeur et de dimension. Les collines lointaines ajoutent une impression d'échelle à la composition, renforçant encore le style naturaliste dans lequel Durand excellait. Le trait fin et les nuances délicates sont caractéristiques du support de gravure., une technique qui demande de la patience et de la précision, que Durand a appliqués de manière experte pour mettre le paysage en équilibre harmonieux avec la figure d'Ariane.
Le médium: Gravure
En guise de gravure, cette pièce est exécutée avec une attention méticuleuse aux détails. Durand, connu pour son habileté dans ce milieu, utilise des objets tranchants, des lignes claires et des hachures complexes pour obtenir une large gamme de valeurs tonales. Les lignes fines de la gravure lui confèrent une qualité délicate, mais l'utilisation du contraste et des ombres offre une profondeur, sensation de volume presque tridimensionnelle. La technique de Durand est particulièrement adaptée à la capture des textures, de la douceur de la peau d’Ariane à l’écorce rugueuse des arbres qui l’entourent.
L’utilisation de la gravure comme médium reflète également l’engagement de Durand dans la tradition de l’art classique et sa volonté de produire des œuvres susceptibles d’être largement diffusées., populariser ces thèmes mythologiques auprès du public américain et européen. Gravure, étant plus accessible que les peintures originales, a permis une plus grande diffusion de cette image, ce qui en fait non seulement une réalisation artistique mais aussi un véhicule de promotion des idéaux classiques.
Thèmes et symbolisme
La figure d'Ariane dans cette gravure incarne les thèmes de l'isolement, abandon, Et le passage du temps. Dans la mythologie grecque, Ariane aide Thésée à s'échapper du Labyrinthe, pour ensuite être abandonné par lui sur l'île de Naxos. Cette image la capture à un moment de réflexion tranquille, peut-être en contemplant son destin ou son amour perdu.
L’expression sereine de son visage se juxtapose à la tourmente émotionnelle qu’implique son mythe.. Les plis doux de ses draperies et l'environnement calme peuvent symboliser un moment de paix éphémère avant le chagrin inévitable qui accompagne le fait d'être laissé seul..
aditionellement, le cadre naturel de la pièce complète ces thèmes. Les arbres et le feuillage suggèrent un espace intemporel, monde immuable, tandis que la figure d’Ariane contraste avec cette permanence, faisant allusion à la nature éphémère de la vie humaine et des émotions. Sa présence dans un tel décor évoque la tension entre l'humanité et la nature, un thème profondément enraciné dans l’art et la littérature classiques.
Humeur et atmosphère
L'ambiance de “Ariane” est profondément mélancolique. Durand a choisi de mettre en scène le moment de solitude d'Ariane après son abandon, et l'expression à la fois paisible et sombre de son visage renforce cette atmosphère émotionnelle. L’éclairage de la gravure, avec son doux contraste entre ombre et lumière, imprègne la pièce d'un calme, qualité presque éthérée. Les arbres en arrière-plan créent un sentiment d'abri, pourtant leur distance et la douceur de leurs contours évoquent un sentiment d'isolement, renforcer le courant émotionnel sous-jacent du récit.
Alors que la scène baigne dans le calme de la nature, il y a un courant de tristesse sous-jacent qui est palpable. La solitude du personnage, combiné avec le regard nostalgique et le paysage lointain, crée une atmosphère à la fois tendre et tragique. Cela témoigne de l'expérience humaine de l'abandon et de la résignation tranquille qui l'accompagne souvent..
Conclusion
Asher Brown Durand's “Ariane” se présente comme un bel exemple de gravure américaine du XIXe siècle et une représentation de thèmes classiques à travers une lentille néoclassique. La représentation sereine mais poignante d'Ariane, dans un cadre naturel, invite le spectateur à contempler la fragilité de l'émotion humaine, le passage du temps, et l'isolement qui accompagne souvent l'amour et la perte. La maîtrise technique et la profondeur émotionnelle de cette œuvre, combiné avec le jeu délicat de la lumière et de l'ombre, faites-en une œuvre d'art intemporelle.
Ariane Gravure représente Ariane allongée dans la forêt, au-dessus d'un paquet de vêtements partiellement nus près d'un ruisseau avec son bras gauche positionné au-dessus de sa tête et sa main droite saisissant ses cheveux alors qu'ils reposent sur la partie arrière de son cou.
En arrière-plan de la gravure d'Ariane, devant les arbres et la colline sur laquelle elle repose, on peut voir un bateau au bord d'un lac, et au loin nous pouvons voir ce qui semble être une grande île.
Cette gravure d'Ariane est une reproduction retouchée de maîtres anciens d'art numérique d'une image du domaine public.
Info ci-dessous de Wikipedia.org
Durand est né et est finalement décédé à Maplewood, New Jersey (alors appelé Jefferson Village). Il était le huitième de onze enfants. Le père de Durand était horloger et orfèvre.
Durand fut apprenti chez un graveur de 1812 à 1817 et a ensuite conclu un partenariat avec le propriétaire de l'entreprise, Charles Cushing Wright (1796–1854), qui lui a demandé de diriger le bureau de New York de l'entreprise.
Il a gravé la Déclaration d'Indépendance de John Trumbull pendant 1823, qui a établi la réputation de Durand comme l'un des meilleurs graveurs du pays.
Durand a aidé à organiser la New York Drawing Association pendant 1825, qui deviendra la National Academy of Design; il servirait l'organisation en tant que président de 1845 à 1861.
Les gravures d'Asher sur les billets de banque ont été utilisées comme portraits pour les premiers timbres-poste américains, les 1847 séries. Avec son frère Cyrus, il a également gravé certaines des 1851 problèmes.
Son intérêt principal est passé de la gravure à la peinture à l'huile sur 1830 avec les encouragements de son patron, Roseau Luman. Durant 1837, il a accompagné son ami Thomas Cole lors d'une expédition de croquis au lac Schroon dans les montagnes Adirondacks et peu de temps après, il a commencé à se concentrer sur la peinture de paysage.
Il a passé des étés à dessiner dans les Catskills, Adirondacks, et les Montagnes Blanches du New Hampshire, faire des centaines de dessins et d'esquisses à l'huile qui ont ensuite été incorporés dans des pièces finies de l'académie qui ont contribué à définir l'Hudson River School.
Durand est particulièrement connu pour ses représentations détaillées d'arbres, rochers, et feuillage. Il était un défenseur du dessin directement de la nature avec le plus de réalisme possible. Durand a écrit, “Laisser [l'artiste] accepter scrupuleusement tout [la nature] le présente jusqu'à ce qu'il, dans un diplôme, sont devenus intimes avec son infinité… ne le laissez jamais profaner son caractère sacré en s'écartant volontairement de la vérité.”
Comme d'autres artistes de l'Hudson River School, Durand croyait aussi que la nature était une manifestation ineffable de Dieu. Il a exprimé ce sentiment et ses opinions générales sur l'art dans son essai “Lettres sur la peinture de paysage” dans Le Crayon, un périodique d'art new-yorkais du milieu du XIXe siècle. A écrit Durand, “[T]a vraie province de l'Art du Paysage est la représentation de l'œuvre de Dieu dans la création visible…”
Durand est connu pour son 1849 peinture Kindred Spirits qui montre un autre artiste de l'Hudson River School Thomas Cole et le poète William Cullen Bryant dans un paysage des montagnes Catskills. Cela a été peint en hommage à Cole à la mort de Cole pendant 1848, et en cadeau à Bryant.